Les fondations : l’ère du muet et les pionniers coloniaux
L’histoire cinématographique de l’Asie du Sud commence peu après la première projection des frères Lumière à Paris. Le Cinématographe arrive dans la région dès juillet 1896 à l’hôtel Watson de Bombay (aujourd’hui Mumbai). Le premier film réalisé par un Sud-Asiatique est attribué à Harishchandra Sakharam Bhatavdekar, dit Save Dada, qui filma une séance de lutte à Bombay en 1899. L’ère du muet s’épanouit avec des réalisateurs visionnaires comme Dadasaheb Phalke, considéré comme le père du cinéma indien, qui réalisa le premier long métrage mythologique, Raja Harishchandra (1913). Au Bengale, Hiralal Sen fut un pionnier précoce. Au Pakistan et au Bangladesh actuels, les débuts furent marqués par des productions comme The Last Kiss (1931) à Lahore et l’œuvre de Obaidul Huq au Dhaka.
Les studios et l’émergence des industries régionales
Les années 1930 virent la création de studios structurants : New Theatres Ltd à Calcutta (fondé par B.N. Sircar), Prabhat Film Company à Pune, et Bombay Talkies à Mumbai. Ces studios professionnalisèrent la production et lancèrent des carrières légendaires. New Theatres produisit des films socialement engagés comme Devdas (1935, P.C. Barua) et Mukti (1937). Parallèlement, le cinéma régional prenait son essor avec le premier film tamoul, Keechaka Vadham (1918), le premier film cinghalais, Kadawunu Poronduwa (1947) à Ceylan, et les premières productions en ourdou, pendjabi et sindhi.
L’Âge d’Or : le cinéma comme miroir des indépendances et des identités
La période post-Seconde Guerre mondiale, coïncidant avec les indépendances de l’Inde (1947), du Pakistan (1947) et de Ceylan (1948), fut un âge d’or créatif. Le cinéma devint un champ de bataille pour l’âme des nouvelles nations. En Inde, le réalisme poétique de Satyajit Ray (la trilogie d’Apu, débutée avec Pather Panchali en 1955) offrit une vision humaniste et néoréaliste, acclamée internationalement. Ses contemporains, Mrinal Sen et Ritwik Ghatak, explorèrent avec une intensité radicale les traumatismes de la Partition et les luttes des classes. Ghatak, avec des films comme Meghe Dhaka Tara (1960), créa une mythologie cinématographique autour du déchirement.
Le mélodrame social et le star-system à Bombay
À Bollywood, les studios comme Filmistan et les réalisateurs comme Guru Dutt (Pyasa, 1957), Bimal Roy (Do Bigha Zamin, 1953) et Mehboob Khan (Mother India, 1957) utilisèrent le mélodrame pour critiquer l’injustice sociale, le féodalisme et pour construire une imagerie nationale. L’acteur-défenseur Raj Kapoor devint une icône du Tiers-Monde avec ses films à l’humanisme charismatique comme Awaara (1951), populaire jusqu’en Union soviétique et en Chine.
La Partition et la naissance de cinémas nationaux distincts
La Partition de 1947 divisa non seulement un territoire mais aussi une industrie cinématographique. Lahore, centre important du Pendjabi et de l’ourdou, devint pakistanais. L’industrie pakistanaise mit des années à se restructurer, trouvant finalement son identité dans les mélodrames familiaux en ourdou des années 1960-70, portés par des stars comme Muhammad Ali, Nadeem et la chanteuse-actrice Runa Laila. Le cinéma bangladais, après la guerre de libération de 1971, s’engagea résolument avec des films comme Ora Egaro Jon (1972) de Chashi Nazrul Islam. Au Népal, le premier long métrage, Satya Harishchandra (1951), marqua le début d’une industrie à Kathmandou.
Le cas singulier du Sri Lanka
Le cinéma cinghalais développa une voix distincte, souvent ancrée dans le rural et le folklore, avec des réalisateurs comme Lester James Peries, dont Rekava (1956) rompit avec le style indien dominant. Son film Gamperaliya (1963) remporta le Grand Prix au festival de Montréal. Des cinéastes comme Dharma Sri Caldera et plus tard Prasanna Vithanage continuèrent cette tradition d’un cinéma artistique et socialement conscient.
Les Nouvelle Vagues : cinéma parallèle et réalisme critique
Des années 1960 aux 1980, des mouvements de « Nouvelle Vague » émergèrent en réaction au cinéma commercial. En Inde, soutenu par la Film Finance Corporation (devenue National Film Development Corporation), un cinéma parallèle vit le jour avec Mani Kaul (Uski Roti, 1969), Kumar Shahani, Adoor Gopalakrishnan au Kerala (Swayamvaram, 1972), et G. Aravindan. Au Pakistan, le réalisateur Khalid Ahmed et plus tard Shoaib Mansoor apportèrent un regard neuf. Au Bangladesh, le travail de Alamgir Kabir et de la Bangladesh Film Institute fut crucial.
Le cinéma comme arme politique et de résistance
En période de crise, le film devint un outil de témoignage et de dissidence. Pendant l’état d’urgence en Inde (1975-77), des films comme Kissa Kursi Ka furent censurés. Au Pakistan sous la dictature de Zia-ul-Haq, le cinéma fut sévèrement réprimé. Inversement, le mouvement des droits civils au Sri Lanka inspira des films engagés. La guerre civile au Cachemire et l’insurrection maoïste au Népal devinrent plus tard des sujets cinématographiques brûlants.
L’explosion des industries régionales en Inde
Le cinéma sud-asiatique ne se résume pas à Bollywood. Le Kollywood tamoul (Chennai) et le Tollywood télougou (Hyderabad) devinrent des géants économiques, avec des superstars comme Rajinikanth, Kamal Haasan, et Chiranjeevi. Le cinéma malayalam du Kerala se distingua par son réalisme et ses récits familiaux sophistiqués (Mohanlal, Mammootty). Le Bengali, le Marathi, le Kannada et l’Assamais maintinrent des traditions artistiques fortes, avec des festivals comme le International Film Festival of Kerala et le Kolkata International Film Festival servant de plateformes.
| Industrie Régionale (Inde) | Centre Principal | Film Emblématique | Figure Majeure | Contribution Distinctive |
|---|---|---|---|---|
| Bollywood (Hindi) | Mumbai, Maharashtra | Sholay (1975) | Yash Chopra | Mélodrame romantique, chorégraphies |
| Kollywood (Tamoul) | Chennai, Tamil Nadu | Nayakan (1987) | Mani Ratnam | Cinéma politique, style visuel, musique de A.R. Rahman |
| Tollywood (Télougou) | Hyderabad, Telangana | Baahubali (2015, 2017) | S.S. Rajamouli | Épopées mythologiques à grand budget, effets VFX |
| Cinéma Malayalam | Kochi, Kerala | Elippathayam (1981) | G. Aravindan | Réalisme poétique, narratives subtiles |
| Cinéma Bengali | Kolkata, Bengale-Occidental | Charulata (1964) | Satyajit Ray | Cinéma d’auteur, héritage littéraire |
| Cinéma Marathi | Pune, Maharashtra | Shwaas (2004) | Nitin Chandrakant Desai | Récits sociaux ancrés, renouveau des années 2000 |
Le tournant du numérique et l’ère contemporaine
L’avènement de la technologie numérique au tournant du 21ème siècle révolutionna la production et la distribution. Il démocratisa l’accès à la réalisation, permettant l’éclosion de nouveaux talents et de cinémas indépendants (« indies »). Des plateformes de streaming comme Netflix, Amazon Prime Video et Disney+ Hotstar créèrent un marché pour des contenus narratifs audacieux et diversifiés, transcendant les frontières linguistiques. Des séries comme Sacred Games (Inde) et des films comme Laal Kabootar (Pakistan, 2019) bénéficièrent de cette nouvelle exposition.
L’émergence des femmes cinéastes et des voix marginalisées
Longtemps dominé par les hommes, le paysage cinématographique s’ouvrit progressivement à des réalisatrices majeures : Mira Nair (Salaam Bombay!, 1988), Deepa Mehta (trilogie des Éléments), Aparna Sen (Bengale), Farah Khan (Bollywood), Sabiha Sumar (Pakistan, Khamosh Pani), et Rubaiyat Hossain (Bangladesh). Le cinéma commença aussi à représenter plus frontalement les communautés LGBTQIA+ (Fire de Deepa Mehta, Aligarh de Hansal Mehta), les castes marginalisées (Fandry en marathi, Jai Bhim en tamoul) et les minorités religieuses.
L’influence sociétale profonde : coutumes, politique et langue
L’impact du cinéma sud-asiatique sur la société est omniprésent. Il a façonné la mode, les coiffures (la coupe « Sharmila Tagore »), le langage courant (dialogues cultes), et même les mariages (chorégraphies de Sridevi ou de Madhuri Dixit). Politiquement, il a servi de propagande (Border, 1997), de critique (Garam Hawa, 1973, sur la Partition) et de catalyseur de débats (Padmaavat, 2018). Les stars deviennent des figures politiques : M.G. Ramachandran (Tamil Nadu), N.T. Rama Rao (Andhra Pradesh), Rajinikanth, ou Khushboo Sundar.
La musique : un phénomène culturel unificateur
La musique de film est une colonne vertébrale culturelle. Des compositeurs comme Naushad, S.D. Burman, R.D. Burman, Ilaiyaraaja, A.R. Rahman, M.M. Keeravani et des play-back singers comme Lata Mangeshkar, Mohammad Rafi, Kishore Kumar, Asha Bhosle et S.P. Balasubrahmanyam sont des légendes nationales. Leurs chansons transcendent les divisions, s’inscrivant dans la mémoire collective de tout un sous-continent.
Défis et perspectives futures
Les industries font face à des défis persistants : le piratage, la censure exercée par les Central Board of Film Certification (Inde) ou d’autres organismes, la montée du conservatisme religieux, et la pression commerciale qui étouffe les films d’auteur. Cependant, la vitalité est remarquable. Le cinéma pakistanais connaît une renaissance avec des œuvres comme Joyland (2022). Le Népal produit des films primés internationalement. Le Bangladesh explore de nouveaux genres. La diaspora sud-asiatique, de Danny Boyle (Slumdog Millionaire) à des réalisateurs comme Mira Nair et Riz Ahmed, continue d’influencer le cinéma mondial.
La patrimonialisation et les archives
La préservation du patrimoine filmique est un enjeu crucial. Des institutions comme le National Film Archive of India (Pune), le Film Heritage Foundation (dirigée par Shivendra Singh Dungarpur), et des projets de restauration menés par la World Cinema Foundation de Martin Scorsese luttent contre la dégradation des pellicules. Des festivals comme le International Film Festival of India (Goa), le Dhaka International Film Festival et le Karachi International Film Festival jouent un rôle vital dans la célébration et la sauvegarde de ce patrimoine.
FAQ
Quel est le premier film parlant de l’Asie du Sud ?
Le premier film parlant de l’Asie du Sud est Alam Ara (1931), produit en Inde par Ardeshir Irani et réalisé par le même. Ce film en hindi/ourdou, présenté au Majestic Cinema de Bombay le 14 mars 1931, marqua le début de l’ère du « talkie » et connut un succès phénoménal, intégrant des chansons qui devinrent une caractéristique essentielle du cinéma indien.
Comment la Partition de 1947 a-t-elle affecté le cinéma ?
La Partition a provoqué une scission géographique et humaine de l’industrie. De nombreux artistes et techniciens hindous et sikhs quittèrent Lahore (devenu pakistanais) pour Bombay ou Calcutta, tandis que des musulmans firent le chemin inverse. Lahore, jadis centre prospère, perdit une grande partie de sa main-d’œuvre créative, affaiblissant le cinéma pakistanais naissant. Les thèmes du déracinement, de la perte et de l’identité devinrent centraux dans les cinémas indien, pakistanais et plus tard bangladais.
Quelle est l’influence du cinéma sud-asiatique à l’échelle mondiale ?
L’influence est multiforme. Sur le plan artistique, les cinéastes de la Nouvelle Vague indienne (Ray, Ghatak, Sen) sont étudiés dans le monde entier. La musique de film, notamment celle d’A.R. Rahman (oscarisé pour Slumdog Millionaire), a une portée globale. Bollywood a inspiré des réalisateurs comme Baz Luhrmann et son esthétique flamboyante. Des festivals internationaux majeurs (Cannes, Venise, Berlin, Toronto) programment régulièrement des films sud-asiatiques. Enfin, la diaspora a implanté cette culture cinématographique de Londres à Dubai, de New York à Singapour.
Quels sont les principaux festivals de cinéma en Asie du Sud ?
- International Film Festival of India (IFFI) : Goa, Inde (le plus ancien d’Asie).
- Dhaka International Film Festival (DIFF) : Bangladesh.
- Karachi International Film Festival (KIFF) : Pakistan.
- International Film Festival of Kerala (IFFK) : Thiruvananthapuram, Inde.
- Jio MAMI Mumbai Film Festival : Mumbai, Inde.
- Colombo International Film Festival (CIFF) : Sri Lanka.
- Kathmandu International Mountain Film Festival (KIMFF) : Népal.
Comment le numérique a-t-il changé la donne pour les cinéastes indépendants ?
Le numérique a radicalement abaissé les coûts de production et de post-production, permettant à des réalisateurs hors des circuits commerciaux de créer des films à petit budget avec une qualité technique acceptable. Il a facilité la distribution en ligne et via les plateformes de VOD (Video on Demand), offrant un accès direct au public sans passer par le filtre des distributeurs traditionnels. Cela a permis l’émergence de nouvelles voix, de nouveaux genres (comme le « mumblecore » indien) et une représentation plus grande des régions et des communautés sous-représentées, comme le cinéma du Nord-Est indien ou les films en baloutchi au Pakistan.
ÉDITÉ PAR L’ÉQUIPE RÉDACTIONNELLE
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